VỀ TÁC PHẨM

Có một câu nói nổi tiếng ở Myanmar, “Đừng để lá che mất gốc”. Khi nói về âm nhạc hay văn hoá truyền thống, người Myanmar thường dùng câu nói này để nhắc nhở người ta đừng phá hỏng mất văn hoá của họ bởi những sáng tạo mới, những gì không phù hợp với văn hoá gốc. Tuy nhiên, phần lớn người Myanmar, bao gồm cả tôi, mắc kẹt với câu nói đó mà không dám làm gì cả. Nỗi sợ bị gọi là người phá huỷ âm nhạc truyền thống đã làm suy giảm khả năng khám phá những khả thể mới để tạo ra các ý tưởng và khí quyển âm nhạc mới. Tạo ra âm nhạc mới có thể cũng không được tốt như âm nhạc cũ: nó có thể không mượt và có thể không gon gàng; nó có thể nghe quen tai hoặc không. Tuy nhiên, nó là một trong các quá trình của việc làm nghệ thuật. Với những người học nhạc khá muộn, họ có thể không giỏi như những người nghệ sĩ lớn lên cùng với âm nhạc. Nhưng chúng tôi vẫn đang cố gắng thể hiện mình thông qua âm nhạc mà chúng tôi thấy gần gũi nhất. Hãy để cho lá che mất gốc để khám phá những khả năng âm nhạc mới, dù chúng có thể tốt hơn âm nhạc cũ hoặc không. Tuy nhiên, lá cây không thể sống thiếu gốc, nên chúng rồi sẽ quay về với cội nguồn âm nhạc cũ

VỀ TÁC GIẢ 

Ne Myo Aung có bằng cao học về âm nhạc dân tộc học học từ trường Đại học Washington, Seattle (Mỹ). Anh sinh ra ở Tamu, vùng xa xôi hẻo lánh phía Tây Bắc Miến Điện, và theo học ở thủ đô Yangon, nơi anh nhận bằng tốt nghiệp về Nghệ thuật Máy tính. Anh làm hoạ sĩ hoạt hình 3D ở Yangon, nơi anh làm việc với công ty hậu sản xuất danh tiếng của các nghệ sĩ trẻ tên là Nghệ thuật số Hepta nhằm tạo quảng cáo bằng hoạt hình cho Đài phát thanh và truyền hình Miến Điện. Mối quan tâm của anh đối với Sandaya (chơi âm nhạc truyền thống của Miến Điện trên đàn piano của phương tây) đã dẫn dắt anh đến với U Moe Naing and Kit Young, những người mà anh đã cùng học đàn piano và các lĩnh vực kiến thức âm nhạc khác tại Trung tâm Âm nhạc Gitameit; anh cũng đã ghi nhận sự phát triển kỹ thuật và tiết mục biểu diễn của mình nhờ vào quá trình học tập cùng với Sandya U Khin Hla và Sandaya U Thet Oo. Anh đã biểu diễn như một nghệ sĩ piano, nhà soạn nhạc và ca sỹ tại địa phương cũng như trên quốc tế. Mối quan tâm của anh chuyển sang lưu trữ và bảo tồn âm nhạc truyền thống của Miến Điện dưới nhiều cách, bao gồm việc chuyển đổi 3000 băng ghi âm 79rpm của Miến Điện thành định dạng kỹ thuật số, và với tư cách là người phỏng vấn, quay phim và biên tập âm nhạc và điệu múa của hơn 40 nghệ sĩ cao tuổi tại Yangon và quanh khu vực nông thôn của Miến Điện. Ngay trước khi nhận được giải thưởng Fullbright để theo học tại Đại học Washington – và cũng là người đầu tiên của Miến Điện nhận được giải thưởng này để theo học nghệ thuật – anh dạy đàn piano tại Trung tâm Âm nhạc Gitameit và làm thủ thư trong thư viện âm nhạc đầu tiên của Miến Điện. Gần đây, anh đã được chọn làm cố vấn âm nhạc Miến Điện truyền thống cho C ASEAN Consonant, một dàn nhạc truyền thống được thành lập bởi 10 nghệ sĩ đến từ khu vực Đông Nam Á – ASEAN. Ne Myo Aung hiện đang làm Trưởng khoa tại Viện Âm nhạc Gitameit và cũng là điều phối viên Chương trình Giảng dạy Nghệ sĩ, một chương trình phối hợp được thực hiện bởi Viện Âm nhạc Gitameit và Đại học Washingon, Seattle.

Rất tiếc, mục này chỉ tồn tại ở Tiếng Anh (Mỹ).

VỀ TÁC PHẨM

VỀ NGHỆ SĨ 

The Six Tones là một nền tảng của sự va chạm giữa văn hoá truyền thống và thể nghiệm của châu Á và phương Tây. Cốt lõi của thực hành này nằm ở quá trình liên tục học hỏi lẫn nhau giữa các nghệ sĩ tới từ Việt Nam và Thuỵ Điển bắt đầu từ năm 2006. Quá trình này bao gồm sự dấn thân vào (những) âm nhạc truyền thống Việt Nam, cũng như là sự hiện diện mạnh mẽ mới đây của nền âm nhạc thể nghiệm ở Hà Nội. Tuy nhiên, kể từ năm 2010, The Six Tones đã phát triển một thực hành liên ngành, mời gọi các nhà biên kịch, biên đạo, nhà làm phim cũng như các nhà soạn nhạc, nghệ sĩ ngẫu hứng khắp châu Âu, Mỹ và châu Á cùng cộng tác với nhau để cho ra đời hàng loạt các tác phẩm khác nhau bắt nguồn từ bản chất chính trị của sự cộng hợp đa văn hoá này. The Six Tones bao gồm Nguyễn Thanh Thủy (chơi đàn tranh) and Ngô Trà My (chơi đàn bầu), hai nghệ sĩ trình diễn Việt Nam và nghệ sĩ guitar người Thuỵ Điển Stefan Östersjö. Kể từ khi dự án bắt đầu, chúng tôi đã thường xuyên hợp tác với nhà soạn nhạc và nghệ sĩ ngẫu hứng Henrik Frisk—anh đã vừa sáng tác các tác phẩm cho dàn nhạc vừa đi tour cùng nhóm với chiếc laptop ngẫu hứng.

VỀ TÁC PHẨM

“Ném và Uốn” là tác phẩm cộng tác đa phương tiện bởi các nhà soạn nhạc Alicia de Silva, Hoh Chung Shih và Joyce Beetuan Koh, với sự tham gia của nghệ sĩ viola Christoven Tan. Tác phẩm xem xét không gian vật lý bằng cách ném và uốn các “tế bào âm nhạc” trong không gian với tốc độ khác nhau và mật độ đa dạng. Các “tế bào âm nhạc” được cấu thành bởi những âm thanh ghi lại và thu thập từ môi trường và không gian xung quanh của Singapore, và được chồng lớp lên nhau để tạo một trải nghiệm sống động cho người nghe khi họ đi qua một kết cấu xen kẽ, điểm hoạ theo sự dẫn dắt bởi các âm vực của đàn viola.

VỀ NGHỆ SĨ

Hoh Chung Shih theo học tại trường King’s College London và hoàn thành bằng tiến sĩ về sáng tác tại Đại học Buffalo, nơi anh cũng theo học âm nhạc điện tử tại studio nhạc điện tử Lejaren Hiller. Trong hơn 10 năm qua, anh cũng theo học đàn cổ cầm (đàn tranh 7 dây của Trung Quốc) với thầy Ji Zhiqun. Sự hiện diện trên trường quốc tế của anh với tư các là nhà soạn nhạc thông qua các tác phẩm được giao phó và yêu cầu từ châu Á, châu Âu và châu Mỹ đã tạo điều kiện cho anh cộng tác với những nhạc sĩ hàng đầu trên thế giới. Mối quan tâm của anh có thể được mô tả như là sự khám phá mối giao thoa kép: một bên là tiên phong và thử nghiệm, và bên kia là văn hoá đương đại quốc tế và giới trí thức văn học Trung Hoa truyền thống.

Joyce Beetuan Koh sáng tác hoà nhạc, làm việc trong các dự án cộng tác về múa, và sáng tác các tác phẩm sắp đặt âm thanh và sáng tác đa phương tiện. Làm nền tảng cho tính sáng tạo của cô là niềm đam mê với cấu trúc kiến trúc và lý thuyết khoa học. Ảnh hưởng bởi sự nhạy cảm Á Châu, kết quả là một ngôn ngữ trừu tượng, khép kín và không bao giờ quá đa cảm. Hai tác phẩm piano “la pierre magenta” và “Piano Peals” được xuất bản bởi Hội đồng ABRSM (Anh Quốc). Âm nhạc của cô được trình diễn tại các liên hoan quốc tế, đặc biệt là Biennale Âm nhạc Pháp, Liên hoan Biên cương Birmingham, và được biểu diễn bởi Nhóm hoà tấu Nieuwa, Nhóm hoà tấu Reconsil, Dàn nhạc giao hưởng BBC, Dàn nhạc giao hưởng Hungary, Dàn nhạc giao hưởng Singapore, và Dàn nhạc giao hưởng Stavanger. Điểm nổi bật các tác phẩm đa phương tiện của cô bao gồm “Trên sợi dây” (đa phương tiện, 2010, Lindborg, Khiew ở Liên hoan Nghệ thuật Singapore), “Mái vòm” (sắp đặt âm thanh, 2011/2013, Lingborg, Yong ở Triển lãm Thiết kế Sân khấu Thế giới 2013), “Khỉ lửa” (múa trên địa điểm cụ thể, 2016, Công ty Fission Arts tại Liên hoan Mapping Melbourne), “Nghe dòng” (nghe nhìn, Dự án Âm nhạc Máy tính 2017, Seoul), và “Cơ thể phát thanh” (nhảy-múa, 2017, Công ty Raw Moves ở Liên hoan InsideOut Sydney). Từ năm 2014, cô là Phó Trưởng khoa (nghiên cứu liên ngành) tại Học viện Mỹ thuật Nanyang, Singapore.

Nghệ sĩ viola Singapore Christoven Tan là nghệ sĩ đương đại với niềm đam mê liên tục được tái định nghĩa đối với biểu diễn trên đàn viola cũng như với chính anh với tư cách là người nghệ sĩ. Christoven dựa chủ yếu vào việc kết nối các thực hành và phương pháp đương đại trong âm nhạc phương Tây thời nay và không ngừng tìm kiếm các tác phẩm hoặc ý tưởng mới. Anh tích cực biểu diễn độc tấu, trong nhóm, dàn giao hưởng, tại các phòng tranh, không gian nghệ sĩ công cộng và thương mại ở London, Lithuania, Kuala Lumpur, Macau, Tây Ban Nha, Singapore. Christoven đã được giao nhiệm vụ sáng tác các tác phẩm từ các nhà soạn nhạc Siting Jiang, Goh Toh Chai, Alicia Joyce de Silva, và Kelly Tang. Christoven có thể được nghe thấy trên đài BBC Radio 3 trong bản thu âm Hymnen II bởi Stockhousen với dàn nhạc London Sifonietta. Anh tập trung vào việc làm tác phẩm mới cho đàn viola mang tính đương thời, có thể được biểu diễn tới phạm vi khán giả rộng nhất. Christoven Tan tốt nghiệp Học viện Âm nhạc Hoàng gia Anh và Học viện Nghệ thuật Nanyang. Các giáo viên chính của anh bao gồm Garth Knox, Mgr. Jiri Heger, Michelle Li Min Zhe, Volker Hartung, Jon Thorne, và Paul Silverthorn. Christoven đã đạt giải thưởng của Quỹ Trailblazer. Christoven vừa tham gia chương trình Lưu trú Nghệ sĩ tại Học viện Nghệ thuật Đương đại Perth vào tháng 11 năm 2018.

Alicia thích khám phá âm nhạc và âm thanh của nhiều nền văn hoá khác nhau, cũng như ý nghĩa và bối cảnh văn hoá, ở cả quá khứ và tương lai. Vì vậy, một số tác phẩm của cô phản ánh sự đối nghịch của những âm thanh đó và thậm chí cả tính thẩm mỹ về biểu diễn của những nền văn hoá đó. Điều này cũng đã phát triển mối quan tâm sâu sắc của Alicia trong việc cộng tác với các nghệ sĩ các loại hình nghệ thuật khác nhằm tạo ra các tác phẩm có thể được coi là đa/liên ngành và do đó, tạo nên màn biểu diễn đa giác quan đem lại những trải nghiệm, quan điểm mới về âm nhạc và nghệ thuật. Cô cũng đã cộng tác với các nhà biên đạo múa, vũ công, nhà văn và nhà làm phim, và đang nỗ lực tiếp tục hợp tác trong các dự án sắp tới. Alicia hiện đang hướng dẫn các nhóm hoà tấu Gamelan tại Học viện Mỹ thuật Nanyang và Viện Giáo dục Quốc gia. Vai trò kép của cô với tư cách nhà soạn nhạc và chỉ huy các nhóm hoà tấu Angklung Kulintang của Singapore đã cho phép cô phát triển những tiết mục mới giúp khám phá sự thay đổi âm vực khác nhau từ loại hình hoà tấu độc đáo này, do đó giúp các nhóm hoà tấu này liên tục đạt được giải thưởng Xuất sắc trong Liên hoan Mỹ thuật trẻ thường niên của Singapore trong những năm vừa qua.

VỀ NGHỆ SĨ

Otto Sidharta (Sinh tại Bandung ngày 06 tháng 11 năm 1955) là nhà soạn nhạc người Indonesia. Ông được biết đến với dòng nhạc điện tử. Otto Sidharta hoàn thành khóa học Thạc sỹ về soạn nhạc và sáng tác nhạc điện tử tại Sweelinck Conservatorium, Amsterdam dưới sự hướng dẫn của Giáo sư Ton de Leeuw và sau đó lấy bằng Tiến sỹ tại Viện Seni Indonesia Surakarta. Việc Sidharta yêu thích sử dụng những âm thanh của môi trường xung quanh để thể hiện ý tưởng âm nhạc đã được phát triển từ khi ông là sinh viên của Học viện Nghệ thuật Jakarta (Institut Kesenian Jakarta). Ông đã trình diễn tác phẩm nhạc điện tử đầu tiên, Kemelut, dựa trên âm thanh của nước tại Lễ hội Tác giả trẻ Indonesia lần thứ Nhất (Pekan Komponis Muda) vào năm 1979. Vào năm đó, ông đã thu thập những âm thanh trong tự nhiên và của các loài động vật trên đảo Nias trong rừng Borneo (Kalimantan) thuộc quần đảo Riau và ở những nơi xa xôi hẻo lánh khác.Những âm thanh này được sử dụng làm chất liệu cho các tác phẩm như Ngendau, Hutan Plastik, Gió đông và các tác phẩm khác. Bên cạnh vai trò một nhà soạn nhạc, Sidharta từng làm Chủ tịch của Hội đồng Âm nhạc Nghệ thuật Jakarta (Komite Musik Dewan Kesenian Jakarta) và Hiệp hội các Nhà soạn nhạc Indonesia (Asosiasi Komponis Indonesia). Ông là giảng viên tại Học viện Nghệ thuật Jakarta, Sekolah Pascasarjana IKJ ( IKJ Graduate School) và Cantus (Trung tâm Thông tin và Đào tạo Âm nhạc, Jakarta). Thêm vào đó, ông từng là Giám đốc Âm nhạc của Dàn nhạc giao hưởng Nusantara (Orkes Symphony Nusantara) trong vài năm. Hiện tại ông được bầu lại làm thành viên của Hội đồng Âm nhạc tại Trung tâm Nghệ thuật Jakarta và đang tích cực trong việc soạn ra chương trình giảng dạy dành cho những tác giả trẻ.

VỀ TÁC PHẨM:

“The Usual Nexus” được đặt trong một tình huống thực hành thể nghiệm với bối cảnh một tương lai không quá xa. Tác phẩm gợi lên viễn cảnh nơi con người phải phục vụ chính thứ mà họ tạo ra - Trí thông minh nhân tạo (AI). Con người luôn muốn khắc phục những thiếu sót của mình, như sự thiếu chính xác, thiếu tin cậy và lãng phí thời gian, kết quả là chúng ta luôn hướng tới việc thay thế sức lao động con người bằng những cỗ máy lao động chân tay và trí óc. Khi các kịch bản khoa học viễn tưởng thường liên quan tới xung đột giữa con người và máy móc, coi đó như một mối đe dọa thì "Mối quan hệ thông thường" lại đưa ra một kịch bản nơi mà xã hội loài người nằm dưới sự kiểm soát của trí thông minh nhân tạo và tuân theo chúng. Buổi trình diễn là tổ hợp những âm thanh low-fi thô ráp được điều khiển bằng trí thông minh nhân tạo, được soạn bởi chính các nghệ sỹ, nó dấy lên câu hỏi vì đâu các nghệ sỹ lại đặt bản thân họ vào tình huống này, hay nói rộng ra vì sao chính chúng ta đang dần tạo ra một viễn cảnh như vậy. Vai trò của con người là gì và chúng ta cảm thấy thế nào trong guồng máy chính chúng ta tạo nên? Liệu một ngày nào đó chúng ta có trở thành nô lệ cho những cỗ máy, thứ được phát minh ra với ý tưởng mong đợi ban đầu là để bảo vệ con người và giúp chúng ta theo đuổi một cuộc sống nhân văn, sâu sắc và tĩnh tại hơn?

VỀ NGHỆ SĨ:

Bộ đôi Siedl/Cao

https://siedlcao.com

Siedl/Cao là nhóm nghệ sỹ âm thanh và nhà soạn nhạc kiêm nghệ sỹ biểu diễn tại Áo. Nhóm sáng tác trong lĩnh vực nhạc cụ và nhạc điện tử đương đại, nhà hát và nghệ thuật âm thanh. Họ là Cao Thanh Lan đến từ Việt Nam và Gregor Siedl tới từ Áo. Siedl/Cao là một trong 5 nhóm nhạc từ Áo nhận giải thưởng New Austrian Sound of Music 2018-2019 trong hạng mục Nhạc Đương đại. Các tác phẩm của nhóm luôn tập trung vào những thể nghiệm vật lý của âm thanh và sự liên kết vốn có giữa các yếu tố âm thanh và hình ảnh. Tiếng ồn của giao thông Hà Nội, kèn clarinet, điếu cày Việt Nam, saxophone, tiếng bơm xe, động cơ servo, lò xo nén, bộ modular synthesizer, tiếng đổ vỡ, công nghệ chuyển văn bản thành lời nói, marxophone, cây nhựa, băng dính gaffer, túi truyền y tế.v.v... là những nguồn âm thanh nhóm sử dụng cho các tác phẩm và những màn trình diễn đa dạng tại nhiều địa điểm như nhà hát opera, khu bowling, nhà hát, phòng khách, giảng đường đại học, cửa hàng đĩa than, thư viện .v.v... Các dự án và cộng tác của nhóm đã nhận được tài trợ từ Thủ tướng Liên bang Cộng hòa Áo dành cho Văn hóa và Nghệ thuật, các Diễn đàn Văn hóa Áo tại Tokyo, Brussels, Bangkok, Tehran, Hà Nội và Warsaw, Cục Văn hóa tiểu bang Lower Austria, các Đại sứ quán Áo, ON-Neue Musik Cologne, Bộ Văn hóa Nordrhein-Westfalen (MFKJKS-NRW), Rhein-Energie Stiftung. Các tác phẩm của bộ đôi Cao Thanh Lan và Gregor Siedl đã được giới thiệu tại các lễ hội âm nhạc quốc tế và nhiều buổi hòa nhạc trên toàn thế giới như Operadagen Rotterdam 2018, Musiktheatertagen Vienna 2018, Festival „Krieg singen“ im Haus der Kulturen der Welt Berlin, FIME – Festival Intern. de Musica Experimental Sao Paulo, Frischzelle Festival für Intermediale Performance Köln, Strom Festival Köln, Nhà hát opera Hà Nội, Festival Ankunft Neue Musik Berlin, Ftarri Tokyo, Nomart Osaka, WIM Zürich, CHELA Buenos Aires, Trung tâm Văn hóa Pháp Hà Nội.v.v... Nhóm đã đi lưu diễn tại Châu Âu, Nhật Bản, Brazil, Iran, Trung Quốc, Đài Loan, Argentina, Uruguay, Chile, Phần Lan, Việt Nam, Úc và Indonesia. Bộ đôi Siedl/Cao từng tổ chức các buổi hội thảo về ngẫu hứng và sáng tác đương đại tại Đại học Monash Melbourne, Học viện Boxhill Melbourne, Trường Đại học Quốc Gia Hsinchu Đài Loan, Đại học nữ sinh Sungshin Seoul, Đại học Mahidol Bangkok, a Serena Chile Duo Siedl/Cao has also given workshops on contemporary composition and improvisation at Monash University Melbourne, BoxHill Institute Melbourne, National University of Hsinchu Taiwan, Sungshin Women's University Seoul, Mahidol University Bangkok, Äänen Lumo Helsinki, Đại học La Serena Chile, Đại học Montevideo Uruguay, Meridian Space Bắc Kinh, Trung tâm âm nhạc thể nghiệm DomDom Hà Nội .v.v...

Kai Lam, Nghệ sỹ, Singlish Punk, Singapore

Kai Lam, sinh năm 1974, là nghệ sỹ biểu diễn thuộc Singlish Punk, B.O.A & BoA. Sự lựa chọn phương tiện của nghệ sĩ là thông qua việc sử dụng các bản ghi tại thiwkc đoka, máy bẻ cong âm thanh bằng mạch điện (circuit bended machines); tiếng ồn điện tử tự tạo & một loạt các nhạc cụ có sẵn để tạo ra tác phẩm cận điện tử, âm thanh sống như sự khám phá đa ngành bằng các phương tiện nghệ thuật âm thanh. SG Punk là một biệt hiệu nghệ thuật biểu diễn được nghệ sĩ đa ngành Kai Lam khởi xướng vào năm 2005 như một phương tiện để chống lại khuynh hướng chủ nghĩa tiêu thụ và nhất thể hóa văn hóa trong cuộc sống đô thị; Singlish Punk tôn vinh sự pha trộn trong ngôn ngữ và văn hóa; tìm kiếm sự tự chủ trong tự do văn hóa và chính trị thông qua việc thực hành nghệ thuật số nhiều.

https://soundcloud.com/singlish-punk
https://soundcloud.com/bo_abby

VỀ TÁC PHẨM:

Tôi luôn quan tâm và muốn nghiên cứu sâu về âm thanh ở khía cạnh tính rung, do đó hầu hết các tác phẩm của tôi thường là những thể nghiệm khác nhau và liên quan tới tính rung nhằm tìm kiếm những giá trị nó mang lại khi kết nối giữa con người, vật và xã hội. Các tác phẩm gắn liền với những không gian riêng biệt và sự tham gia của khán giả. Chúng cũng được gắn với nhiều hình thái như lắng nghe/nghe/nhìn đặt trong một hoàn cảnh xã hội cụ thể.

“Thơ từ Thinh Không” là một trình diễn gồm âm thanh và hình ảnh động 2018 (hay còn gọi là điện ảnh mở rộng). Tác phẩm điện ảnh mở rộng này kết hợp những hình ảnh chuyển động của tiếng ồn và ánh sáng, cũng như là âm thanh lấy từ các đồ vật DIY analog cùng với trình diễn của Arnont suốt thời gian từ 2014-2017. Buổi chiếu kéo dài 50 phút.

VỀ NGHỆ SĨ: 

Arnont sống và làm việc tại Chiềng Mai. Anh sáng tác dựa trên nhiều phương tiện đa dạng bao gồm âm thanh, video, sắp đặt, không gian cụ thể và nghệ thuật công cộng.v.v... Các tác phẩm của Arnont thường thể hiện sự quan tâm của anh đối với sự chuyển động, anh sáng tác trên nhiều vật thể nghiệm liên quan tới sự chuyển động. Một số trong những triển lãm được chọn của anh phải kể đến triển lãm cá nhân "Âm thanh khác" cộng tác cùng Khvay Loeung, dự án Nghệ thuật Sa Sa, Phnom Penh, Campuchia (2018). "Cuộc sống bấp bênh", 2016, Manif d’art, Quebec, Canada. 16th Media Art Biennale WRO 2015: Test Exposure, Wroclaw, Ba Lan, TRANCE tại Gallery VER, Bangkok, Thái Lan (2014), Imaginarium, (Water Cave) tại Khoa Mỹ thuật, Đại học Chiềng Mai, Chiềng Mai, Thái Lan (2012), TRÔI - Một loạt dự án âm thanh thể nghiệm Dự Án #1 trong thời gian tại Trung tâm Văn hóa và Nghệ thuật Bangkok, Bangkok, Thái Lan (2014).

STATEMENT:

Tôi từng bị cuốn hút bởi thần thoại Vọng Âm (Echo) trong một thời gian dài. Nguồn gốc của thần thoại Echo khá mâu thuẫn và khó hiểu. Ovid đã miêu tả Echo như một vị nữ thần đã đánh lạc hướng Hera trong việc phát hiện ra những chuyện trai gái của Zeus, từ đó cô bị nguyền rủa và chỉ có thể lặp lại những lời mà người khác nói với cô. Thất vọng khi bị Narcissus từ chối, Echo dần héo mòn; chỉ còn giọng nói của cô còn lại. Longus kể lại việc thần Pan đã yêu Echo ra sao nhưng vì ganh tị với tài năng âm nhạc của cô nên đã khiến những tên chăn cừu nổi điên xé xác cô ra từng mảnh. Những mảnh xác của Echo lẩn khuất nơi trần thế vẫn thường vọng lại, nhại tiếng sáo của Pan.

Nỗi thích thú của tôi với Vọng Âm đã sớm dẫn tôi đến với con đường khám phá âm nhạc của Alvin Lucier, đặc biệt là tác phẩm Vespers của ông ấy. Tuy tương đối vô danh và ít được trình diễn so với các tác phẩm khác, Vespers lại có thể được coi là một trong những tác phẩm hay nhất của Lucier, nêu bật được tài năng của ông khi mô tả được những đặc tính vật lý của âm thanh theo cách nên thơ nhất. Tác phẩm của tôi ở đây thể hiện sự kính trọng và diễn giải Vespers của Lucier bằng cách không chỉ tập trung vào giá trị vật lý của tiếng vọng mà còn trên phương diện xã hội. Thêm vào đó, tôi cũng cảm ơn cuốn sách tuyệt vời "The Figure of Echo" của John Hollander, đã lần ra dấu vết lịch sử của Echo trong cả thế giới vật chất lẫn thế giới thần thoại.

VỀ NGHỆ SĨ: 

Jiradej Setabundhu nghiên cứu âm nhạc cùng Bruce Gaston tại Đại học Chulalongkorn, Thái Lan và là nghệ sỹ guitar kiêm nhà soạn nhạc cho Fong Nam Ensemble. Ông theo học Thạc sỹ tại Đại học Southern California, nghiên cứu cùng nhà soạn nhạc Donald Crockett. Ông sau đó nhận bằng Tiến sỹ về sáng tác của Đại học Northwestern. Các thầy dạy của ông là M. William Karlins, Marta Ptaszynska, Amnon Wolman, Michael Pisaro và Stephen Syverud. Hiện ông là Phó Hiệu trưởng phụ trách các vấn đề học thuật của Học viện Âm nhạc Princess Galyani Vadhana.

Jiradej Setabundhu từng nhận Học bổng Michael Mason, Giải thưởng dành cho các Nhà soạn nhạc NSCO, Giải Sáng tác William T. Faricy, Giải thưởng Yoshiro Irino và Giải thưởng Hội các Nhà soạn nhạc. Những tác phẩm của ông đã được trình diễn tại Trung Quốc, Croatia, Indonesia, Ý, Nhật Bản, Malaysia, Ba Lan, Slovenia, Thái Lan và Mỹ.

VỀ TÁC PHẨM:

Hai con cáo (Nguyệt cô) gặp nhau trong rừng, chúng kể cho nhau về cuộc đời mình. Nguyệt cô 1: Tôi tu luyện 1000 năm, có được viên ngọc, trở thành người. Bị lừa lấy mất viên ngọc và vô cùng ĐAU ĐỚN vì phải trở lại kiếp cáo. Nguyệt cô 2: Tôi cũng tu luyện 1000 năm, có viên ngọc, trở thành người. Khi nhận thấy rằng làm người không hề sung sướng, không có tự do, quá nhiều luật lệ, tôi vứt viên ngọc đi để trở lại cuộc sống thiên nhiên hoang dã. Tôi HẠNH PHÚC được trở lại đời sống của cáo.

VỀ NGHỆ SĨ:

Nguyễn Xuân Sơn (SơnX) sinh ra trong một gia đình thực hành nghệ thuật truyền thống qua nhiều thế hệ. Từng học nhạc và bộ gõ truyền thống từ khi còn nhỏ, SơnX đã có vinh dự được hướng dẫn bởi những nghệ nhân cuối cùng trong các loại hình nghệ thuật truyền thống như Bui Trong Dang, Nguyen Dac Han, and Do Tung. Tốt nghiệp trường Đại học Sân khấu Điện Ảnh Hà Nội, SơnX là một trong số các nhạc sĩ Việt Nam đầu tiên mở đường ra âm nhạc đương đại vào những năm đầu 1990. Vì vậy SơnX vừa có am hiểu về âm thanh từ các loại hình nghệ thuật truyền thống Việt Nam trong khi lại tiếp cận với dòng chảy của âm nhạc và nghệ thuật đương đại thế giới. Anh liên tục chất vấn các vấn đề xã hội và cá nhân trong hiện tại, quá khứ và tương lai và tìm kiếm câu trả lời thông qua nghệ thuật của mình.

SonX từng snags tác nhạc cho nhiều vở múa của các biên đạo múa nổi tiếng Ea Sola Thuy, như Requiem, Drought and Rain Vol.2, Air Lines, Le Corps blanc, và Drought and Rain Vol.1 (phiên bản năm 2011). SơnX cũng viết nhạc cho vở Life in the Box của biên đạo Tran Ly Ly.

SonX đồng thời là tác giả của nhiều tác phẩm đa phương tiện như Going Out, Hell, A Face N.2, N4, A Broken Tale, và Falling Asleep. SonX đã đem âm nhạc của mình tới nhiều liên hoan nhạc quốc tế nổi tiếng trên toàn thế giới. 

VỀ TÁC PHẨM:

Ý tưởng, kịch bản, âm nhạc và đạo diễn: Kim Ngọc

Video: Nguyễn Trinh Thi

Quay phim: Jamie Maxtone Graham

Diễn viên: Nghệ sĩ tuồng Mẫn Thị Thu và Nguyễn Thị Lộc Huyền

Biểu diễn:  Nguyễn Thiện Minh/violin, Nguyễn Trọng Bằng/Flute, Nguyễn Quốc Bảo/Clarinet, Đoàn Lê Phan Anh/Piano, Lữ Mạnh Cường/Bộ gõ, Nhạc trưởng HONNA TETSUJI.

“Tôi có một mối quan tâm dai dẳng với những hiện thể của tính nữ. Lần này cũng lại là câu chuyện về một người phụ nữ: Hồ Nguyệt Cô. Hồ Nguyệt Cô Hoá Cáo là một tích tuồng cổ về một con cáo nhờ tu luyện ngàn năm mà có được “ngọc người”, được làm người. Sau vì mê đắm yêu đương nên để bị lừa lấy mất viên “ngọc người” và phải hoá trở lại kiếp cáo rồi bị giết chết.

Tôi muốn kể lại câu chuyện trong một mối tương quan với những lớp thời gian và lớp ngôn ngữ nghệ thuật khác nhau, giữa âm bậc tuồng cổ với định tính của các nhạc cụ cổ điển tây phương, giữa phim tài liệu và âm nhạc, giữa hình thức biểu diễn trực tiếp trên sân khấu và làm phim biểu diễn, giữa tuồng tích xa xưa với những số phận con người của hiện tại…”

Uổng ngàn năm góp báu càn khôn

Xẩy một phút tan tành trường  phong nguyệt!!!

VỀ NGHỆ SĨ:

Sinh ra và lớn lên tại Hà Nội, Kim Ngọc bắt đầu học piano từ năm lên 7 tại nhạc viện Hà Nội mà nay là học viện âm nhạc quốc gia Việt Nam. Lúc 14 tuổi Kim Ngọc sáng tác tác phẩm đầu tay dưới sự hướng dân của cha- nhạc sĩ Trần Ngọc Xương. Nhiều năm sau đó cô tôt nghiệp bằng cử nhân khoa sáng tác tại học viện âm nhạc quốc gia Việt Nam trước khi giành được học bổng toàn phần DAAD và du học tại đại học âm nhạc Cologne, CHLB Đức. Tại đây cô đã học sáng tác với giáo sư Johannes Fritsch, trình diễn ngẫu  hứng với Paulo Alvares và tham giảng hai khóa mùa hè cùng Karlheinz Stockhausen. Trước và sau khi du học, Kim Ngọc liên tục tiến hành các nghiên cứu thực hành với âm nhạc truyền thống Việt Nam.

Các tác phẩm của Kim Ngọc cho hòa tấu và dàn nhạc đã từng được trình diễn bởi các dàn nhạc như: Ensemble Modern, Aterlier-Musique de Ville d'Avray, Ensemble d'Autorium Oliver Messiaen, Trio D'Argent, Baseler-Symfonieorchester, Freiburge Ensemble, PPO Chamber Orchestra, dàn nhạc giao hưởng Việt Nam, dàn nhạc giao hưởng học viện âm nhạc quốc gia…và được phát sóng bởi một số đài phát thanh châu âu như: Deutschland Radio Berlin, Westdeuschland Radio (WDR), Deutschlandfunk, Neue Musik Radio, Radio France, RFI Schweizer Radio, Radio Monalisa...

Thế nhưng Kim Ngọc đang bắt đầu được biết đến nhiều hơn tại châu âu và mỹ bởi các sáng tác music theatre mà chị thường tự trình diễn. Một số tác phẩm tiêu biểu của chị gồm: “Sự Văng Mặt” - được đặt hàng và sản xuất bởi 10th.Muenchener Biennale Festival 2006; “Ai Đem Con Nhện Giăng Mùng” công diễn tại Hà Nội 04/2007 và công diễn ra mắt châu âu tại Ultima Festival tháng 10 năm 2008; ”Cùng Nhau Đơn Độc” công diễn ra mắt tại Mehr Klang Festival, Freiburg CHLB Đức 2009; ”Thế giới của Mỵ Châu” công diễn 2010  và ”Move” đặt hàng bởi (Re)-thinking Festival 2011 tại Malmoe, Thụy Điển.

Hiện Nay Kim Ngọc sống và làm việc như một nghệ sĩ độc lập tại Hà Nội. Tháng 11 năm 2012, chị sáng lập và điều hành DomDom - Trung Tâm Âm Nhạc và Nghệ Thuật Thể Nghiệm, một tổ chức phi chính phủ đầu tiên tại Việt Nam cống hiến cho sự phát triển của âm nhạc và nghệ thuật đương đại thể nghiệm.

VỀ TÁC PHẨM: